Houses of the Holy
Led Zeppelin
Copertina di Hipgnosis
Il disco e il suo contesto storico-musicale
Nel 1973 i Led Zeppelin pubblicano Houses of the Holy, segnando una svolta significativa nel loro percorso artistico e nella loro identità visiva. Dopo quattro album volutamente privi di titoli espliciti, la band introduce per la prima volta un titolo ufficiale che però non compare sulla copertina, una scelta che non è sottrazione, ma spostamento: l’identità del disco non si dichiara, si costruisce.
L’epoca delle grandi narrazioni musicali è al suo apice: il progressive ridefinisce le strutture dei brani, la psichedelia evolve in forme più stratificate, mentre il funk e il soul iniziano a infiltrarsi anche nel rock britannico contaminandone ritmo e dinamiche. In questo contesto, i Led Zeppelin scelgono di non irrigidirsi in una formula riconoscibile, ma di spingere ulteriormente sul piano della varietà e della ricerca. Il gruppo si allontana definitivamente dalla matrice blues per aprirsi a una scrittura più fluida e imprevedibile, attraversata da funk, reggae, psichedelia e suggestioni progressive. Houses of the Holy è un disco di transizione, ma senza esitazioni: ogni brano amplia il perimetro sonoro, la copertina anticipa questa espansione in forma visiva.
L’opera: lettura simbolica e culturale
La copertina di Houses of the Holy non rappresenta: mette in scena.
A costruirla è lo studio Hipgnosis, qui alla sua prima collaborazione con i Led Zeppelin.
Nessuna scritta, nessun logo: solo un’atmosfera sospesa, prossima a un sogno apocalittico. Una visione in bilico tra attrazione e inquietudine: una sequenza di corpi infantili, nudi e quasi indistinguibili, dai lunghi capelli biondi, si arrampica su una distesa di colonne basaltiche che si innalzano verso un cielo incandescente. Il paesaggio è reale ma trasfigurato, privo di coordinate spazio-temporali, immerso in una luce irreale che ne accentua il carattere alieno.
La ripetizione delle figure, ottenuta attraverso un processo di moltiplicazione fotografica, annulla l’individualità e trasforma i corpi in un ritmo visivo continuo, come in una progressione rituale di ascesa. Questo effetto amplifica il senso di straniamento e suggerisce una dimensione simbolica sospesa tra innocenza e perdita, tra elevazione e inquietudine.
L’immagine, ispirata al romanzo Childhood’s End di Arthur C. Clarke, in cui i bambini della Terra vengono attratti da una forza cosmica verso una nuova forma di esistenza, si traduce in una sorta di pellegrinaggio metafisico: i corpi sembrano già oltre il mondo umano, in transito verso una dimensione altra. La nudità, privata di qualsiasi connotazione erotica, diventa elemento di neutralità, quasi di astrazione.
Il paesaggio scelto, il Giant’s Causeway, rafforza questa ambiguità. Formato da migliaia di colonne basaltiche, il sito è da sempre associato a miti e leggende. La sua geometria naturale, al limite dell’artificiale, costruisce uno spazio sospeso tra natura e soprannaturale: qui l’infanzia non è una condizione, ma una soglia, qualcosa che si muove verso una trasformazione.
Aprendo la copertina gatefold appare l’immagine del Dunluce Castle, con una figura umana che solleva una bambina verso la luce. La rovina medievale introduce un ulteriore elemento simbolico, evocando il passato, la decadenza e il mistero, mentre il gesto umano rafforza la dimensione rituale dell’intero progetto visivo.
Nel complesso, l’artwork si configura come una costruzione visiva coerente: un passaggio dall’infanzia all’ignoto, dalla materia allo spirito, dalla realtà a una dimensione altra e, ancora oggi, continua a interrogare più di quanto si lasci definire.
Curiosità e aneddoti
L’idea dell’artwork fu Aubrey Powell, che assunse la guida del progetto dopo che una proposta di Thorgerson, un campo da tennis elettromagnetico, venne rifiutata da Jimmy Page. Powell sviluppò così una visione autonoma, ispirata al romanzo di Arthur C. Clarke.
Per realizzare le immagini della copertina cercò un paesaggio capace di evocare insieme mistero e mitologia. Su suggerimento di Robert Plant, la scelta cadde sul Giant’s Causeway, la cui conformazione naturale contribuì in modo decisivo all’impatto visivo.
La produzione dell’opera fu complessa: le condizioni climatiche resero impossibile lavorare con un gruppo numeroso di bambini, portando alla soluzione di fotografare separatamente i fratelli Stefan e Samantha Gates e moltiplicarli in fase di montaggio. Le immagini furono ottenute attraverso numerosi scatti in bianco e nero, successivamente colorati a mano: un processo che conferisce alla scena la sua peculiare qualità pittorica. Una variazione cromatica accidentale (una dominante magenta non prevista) venne mantenuta per il suo forte impatto visivo, diventando uno degli elementi distintivi. Il risultato è una composizione costruita, ma dotata di una notevole credibilità visiva.
Alla sua uscita, la cover suscitò polemiche per la presenza di nudità infantile. Per questo motivo, l’album venne distribuito con una fascia esterna che ne copriva parzialmente l’immagine, anticipando dinamiche censorie che si ripresenteranno nella storia del rock.
Nel 1974 la copertina di Houses of the Holy, vinse il Grammy Award, consacrandosi come una delle più riconoscibili della storia del rock.
L’alone esoterico che circondava la band, alimentato dall’interesse di Jimmy Page per l’occultismo e per figure come Aleister Crowley, contribuì a rafforzare le interpretazioni simboliche più oscure dell’immagine. Anche il titolo stesso, Houses of the Holy, si presta a letture multiple: dal palco come spazio sacro alla dimensione spirituale dell’individuo.
A distanza di anni, Stefan Gates — oggi chef e volto televisivo della BBC — ha raccontato di aver trovato a lungo l’immagine inquietante, per poi rivalutarla come una sorta di portafortuna. Ha poi manifestato il desiderio di tornare sul luogo dello scatto, riascoltare il disco e rivivere quell’esperienza — questa volta con piena consapevolezza.
L’autore dell’opera
La copertina è opera dello studio londinese Hipgnosis, fondato alla fine degli anni Sessanta dai designer e fotografi Storm Thorgerson e Aubrey Powell. Hipgnosis rivoluzionò il modo di concepire le copertine dei dischi invece di limitarsi a ritratti dei musicisti o illustrazioni decorative, introdusse un linguaggio visivo concettuale, spesso surreale, costruito attraverso fotografie manipolate, set costruiti ad hoc e idee visive sorprendenti.
Il loro lavoro ha definito l’estetica del rock degli anni Settanta, firmando alcune delle cover più celebri della storia della musica. Con immagini enigmatiche, eleganti e spesso cariche di ironia, Hipgnosis ha trasformato il vinile in un vero oggetto d’arte, contribuendo a fare della copertina uno spazio di sperimentazione visiva tanto importante quanto la musica che custodisce.
